Presentación a los medios del cortometraje Fórmula K-12

El día martes 27 de octubre se presentó a los medios Formula K-12, un cortometraje de ciencia ficción grabado en locaciones caraqueñas y cuyo propósito original era la elaboración de tres micros destinados a mostrarse en un curso de “producción de efectos visuales” dictado en el Instituto Render de Bello Campo (http://www.institutorender.com/)
“No me siento orgulloso porque pudo haber quedado mejor… esto es un inicio…”, así afirmó Abraham Sanabria, uno de los realizadores del corto. Por otro lado Hernán Arvelo (director) acotó: “en un futuro quiero un trabajo más serio, menos para reír y sin groserías…”
Ambos coinciden en que a la escena final le faltó más efectos, pero están conscientes que fue algo intencional para sugerir la continuidad de su trabajo. También agradecen a sus amigos quienes colaboraron en la cámara, la edición y como actores. “Sólo gastamos 150 Bs. en alimentos”, indicó Arvelo. Fórmula K-12 se rodó entre 2 a 3 semanas y la postproducción fue aproximadamente de un mes. Esto tomando en cuenta los horarios de las actividades de todos los colaboradores.
Abraham Sanabria se desempeña como docente en la UBV y ha sido director y editor de micros institucionales, comerciales y programas de televisión. Hernán Arvelo es productor de micros institucionales y comerciales, y realiza pre y post producción de proyectos audiovisuales. Es docente del Instituto Render, organización que próximamente patrocinará el Festival de Cortos de la UCV.
Sinopsis:
Dos aventureros científicos descubren, en unas ruinas de la montaña el Ávila, un gran hallazgo, la fórmula secreta del difunto Dr. Knoche. Tras varios experimentos logran crear una sustancia capaz de desafiar a la tradicional medicina moderna. Pero una agencia oscura intentará arrebatarles su más preciado descubrimiento poniendo en riesgo sus vidas y su amistad.
Ficha Técnica:
Título original del Corto: Formula K-12
Director: Hernán Arvelo
Escrita por: Abraham Sanabria
Hernán Arvelo
Productora: Revolution Studios Group.
Duración: 23 min.
Género: Ciencia Ficción.
País: Venezuela, Caracas.
Año: 2009

El estreno será el día miércoles 28 de octubre de 2009 a las 7:00 pm. en la sala MBA. Entrada Gratis.

Recomendamos "Tradición y modernidad en el cine de América Latina (2003)" de Paulo Antonio Paranaguá

Portada del libro

Con ocasión de la visita del Dr. Paulo Paranaguá a Venezuela aprovechamos la oportunidad para recomendar uno de sus libros: "Tradición y modernidad en el cine de América Latina" publicado por el Fondo de Cultura Económica.
Aún cuando usa dos categorías importantes (tradición y modernidad) señala en las primeras páginas que la intención no es desarrollar conceptos sino presentar expresiones del fenómeno cinematográfico de América Latina (A.L). No parte de la política de autores, su acercamiento obedece a la mirada del cine a partir de la exhibición, producción y consumo.

A grandes rasgos, describe al cine de A.L desde los siguientes términos: 1. Producción local rivalizada con la importación de películas hollywoodenses, 2. Dificultad de periodización[1] que no sólo es de la región sino una constante en países integrantes, 3. Recurrente inspiración a los modelos foráneos (europeo y americano), aún cuando en los países donde se desarrollaron películas de neorrealismo había un sello más local, 4. Producción de noticieros: una constante producción y exhibición, 5. El uso de los términos tradición y modernidad no es el mismo para todos los países.

Durante el Curso de Ampliación en la UCV

América Latina está conformada por cuatro grandes grupos que se diferencian en producción.

El primero de ellos es México (mayor productor), luego Argentina con importantes diferencias respecto al anterior con su Nuevo Cine menos inventivo que el Cinema Novo de Brasil. Brasil ha realizado un cine con un idioma distinto: el Cinema Novo. Se caracteriza por la utilización de escenarios naturales, desechando sets, transforma la producción y no deja de reconocer la relación entre las vanguardias con lo político. El último grupo es el de los productores intermitentes integrados por: Cuba, Venezuela y Perú, entre otros.

caracterizaciones de la modernización en América Latina
Paranaguá refiere algunas expresiones de modernidad. No deja de asociar la explosión demográfica descontrolada de algunas ciudades de AL con el comercio cinematográfico. Menciona ocho de las ciudades más pobladas: Buenos Aires, Río de Janeiro, Ciudad de México, Santiago de Chile, Montevideo, La Habana, Lima y Bogotá. De estas, tres coinciden con las ciudades con mayor producción cinematográfica.
Asoma el cosmopolitismo, el nacionalismo y el populismo en AL y expone detalles en cuanto a la forma de cada uno de ellos en el cine, a partir del capítulo 8.
Populismo. Vinculado con aquellos movimientos políticos que se desarrollaron en países como México (llega a la jefatura Plutarco quien nacionaliza el petróleo), Argentina (presidencia de Perón) y Brasil (intentona comunista, el Estado Novo), expresados bajo una producción de "Dios se lo pague" con referencias al trabajo, capital, burguesía y clase obrera donde destaca el personaje femenino al modo de Evita Perón y el masculino que encarna al mendigo y millonario.
Nacionalismo. La vinculación del cine con la formación de una identidad de patria es más evidente en Brasil que la formación de un ciudadano. Una de las expresiones más notorias del nacionalismo fue la creación de institutos o centros cinematográficos con claros lineamientos del Estado tanto en México y Brasil. Una nacionalización con intentos de nacionalidad. Se le atribuye a ese nacionalismo la censura de algunos regímenes a ciertas obras filmográficas, específicamente en México y la Argentina peronista. Por otro lado, en Cuba hay un interés por los documentales tras la apuesta de empresas audiovisuales rivales al régimen.

Duplas asociadas con el Cine de América Latina

Cine y teatro. La asociación pareciera estar dada con dos principales aspectos: a) cineastas formados en teatro que es el caso de Chalbaud en Venezuela y b) creación de compañías de teatro y cine.
Inmigración y aportes al cine latinoamericano. De Europa una cantidad importante de inmigrantes llegaron para trabajar en la exhibición, distribución y producción. Algunos con experiencia y otros a partir de grandes proyectos como fue el caso de Serrador Francisco quien llega de España a Brasil y entre los múltiples legados está la creación de cinelandia, la creación de teatros, cafés, comercios y restaurantes. Un capital que intentó llegar a un Hollywood brasileño. Una especie de cultura de masas con nota de diversión y distracción.
Max Glucksmann en Argentina creó una red de distribución en países vecinos.
El cine y espectáculo cinematográfico. El cine es una manifestación de modernidad mientras que las películas muestran un arraigo a la tradición local
Cine y acercamiento a la cultura aún cuando en América latina se registraba altas tasas de analfabetismo.
El cine como industria
Creación de estudios. En Latinoamérica se usa la palabra industria sin un cuidado por definirlo o confrontarlo con modelos. Aún con la creación de estudio hay precariedades. Por ejemplo, “México no poseía una estructura productiva comparable a las Major companies de Hollywood…nunca hubo una integración…el trípode exhibición –distribución-producción en una misma empresa. Los productores y los dueños de los estudios… eran distintas” (p. 111)
Una industria que al centrarse en el melodrama como en el caso de México comienza a configurar un star system con el ícono de María Félix, quien interpreta a Doña Bárbara (civilización vs barbarie). Lo curioso de ese mito con nombre de mujer es que emerge en medio de una sociedad machista.

Detalle

Un cine de género en lugar de política de autor
En América Latina más que hablarse de una política de autor hay que considerar los subgéneros que fueron desarrollados: melodrama y comedia.
Paranaguá no distingue entre cine independiente y cine de autor y así lo expresa: “<> o cine independiente, basado en la fusión entre el director y el productor (e incluso el guionista)” (p. 171). Esa conjunción como es presentada requiere una separación en términos conceptuales pues al llega a mencionar el nuevo cine de autor la vincula a la incursión del neorrealismo tal como es el caso de Buñuel.
Al llegar el neorrealismo a AL no se traduce en una política de autor. Es parte de una influencia que ya se había desarrollado en Europa y llega en una forma particular. Se trata de un acercamiento a problemáticas y de una conciencia social. El contraste barrio y ciudad con toda la carga problemática es un ingrediente importante. Uno de los países que incursionó en este tipo de neorrealismo fue Venezuela con La escalinata, Brasil con Río Zona Norte, de México Los olvidados, de Cuba Historias de la Revolución, Las doce sillas (del género comedia) y Memorias del subdesarrollo de Tomás Gutiérrez Alea.
El neorrealismo rompe con el silencio de las preocupaciones y problemáticas para presentarlas en pantallas de modo que no hay cabida para la evasión. Uno de las problemáticas más recurrente es la infancia. “El neorrealismo latinoamericano, tan híbrido como el italiano, fue para muchos una alternativa de producción y en algunos casos una fórmula comercial” (p. 199)
En el caso de Venezuela Paranaguá menciona dos cineastas. El primero de ellos: Román Chalbaud, quien (afirma Paranaguá) a partir de Caín adolescente muestra una transición entre el cine de género y cine de autor. Aún con sus ensayos es considerado un importante autodidacta, comprometido con la cultura popular en lugar de ideologías políticas. A diferencia de él Margot Benacerraf con sus estudios de cine incursionó en el denominado documental de creación.
Algunas adaptaciones
Ciertamente las adaptaciones conformaron una parte de aquel menú variado en el cine latinoamericano. Obras de la liteteratura venezolana, argentina y mexicana conformaron el terreno de inspiración para algunos cineastas. Llama la atención, por ejemplo, que en el caso de Venezuela Doña Bárbara haya sido adaptada por un mexicano, mientras que en otros países como Argentina se realizó la adaptación de Don Segundo Sombra, así como las obras de Cortázar llevada a la pantalla bajo los nombres La cifra impar, Circe, Intimidad de los parques.

[1] Una apretada periodización la señala como sigue: 1. Industrialización del cine argentino y mexicano (1937- 1949), 2. Predominio de los cine clubs (década de los cincuenta), 3. 1960 a 1969 Cine Novo Brasil, Nuevo cine de Argentina y cine postrevolucionario de Cuba, 4. 1970- 1989 Adaptaciones literaria y 5. 1990 en adelante agotamiento del apoyo Estatal: México, Brasil, Argentina y Cuba.

Inaugurado Festival de Cine Venezolano Mérida 2009

El domingo 25 de octubre se inauguró oficialmente el Festival de Cine Venezolano Mérida 2009. En la Galería la Otra Banda se concentraron los asistentes (actores, jurados, cineastas, estudiantes y representantes de los medios).

Marío Bonucci, rector de la Universidad de Los Andes, Edgar Márquez, representante del Centro Nacional Autónomo de Cinematografía, y Karina Gómez Franco, directora del Festival dieron la bienvenida.

Se presentó una muestra de música folclórica alusiva a Que Dios te Perdone (2009) de Carlos Uzcategui, película realizada en la localidad de Bailadores.

Información obtenida de la Nota de prensa de Jhonny Márquez (Fundearc).

Foto obtenida de la Nota de Prensa de la Dirección de Comunicaciones de Fundación Cinemateca Nacional.

"Más allá de las apariencias" en la Sala José Ignacio Cabrujas de Cultura Chacao

Talento y Cultura Chacao proyectará el viernes 23 de octubre de 2009 el documental “Más allá de las apariencias” de la cineasta venezolana residenciada en Francia, Margarita Cadenas, en la Sala Cabrujas de Los Palos Grandes. Hora: 7 pm. Costo: 20 Bs.
"Más allá de las apariencias es una coproducción franco-venezolana bajo la dirección de Margarita Cadenas, que trata sobre el encuentro con el reconocido antropólogo francés, Jacques Lizot, quien nos relata su llegada a Venezuela en 1968 y su investigación sobre la convivencia de más de 20 años con los indígenas de la cultura Yanomami, en el Amazonas venezolano.
El documental se divide en dos partes. La primera, llevará al espectador en un viaje a la selva amazónica venezolana y desentrañará la historia de Lizot, relatada por el propio científico. En la segunda parte, Lizot con sus apreciaciones desarrolla una crítica a la sociedad occidental, en contraste con sus vivencias en el seno de la etnia yanomami..."

Foto y texto tomados de: http://www.chacao.gov.ve/

Rueda de Prensa "Un lugar lejano"

Palabras de bienvenidaPalabras de José R. Nóvoa (director)Palabras de Osvaldo Montes (encargado de la música)Federica Guzmán entrevistando a Marcela KloosterboerPalabras de Mirela Mendoza.Con Mirela Mendoza (izquierda) y Rosalinda Serfaty (derecha)

Con Elia Schneider (productora)

El 21 de octubre a las 9:00 am se convocó los diferentes medios de comunicación a la Sala AEDCID de la Embajada de España en Venezuela para la Rueda de Prensa de la película “Un lugar lejano” del director José R. Nóvoa.
A las 10:15 am. la representante de la embajada española dio la bienvenida a los presentes e inmediatamente se proyectó el trailer y making off del largometraje. Posteriormente, parte del equipo de la película entre los que se encontraban: Rosalinda Serfaty (actriz), Mirela Mendoza (actriz), Alberto Alifa (actor), Marcela Kloosterboer (actriz), Erich Wildpret (actor), Elia K. Schneider (productora), Joel Nóvoa (Director Asistente), Osvaldo Montes (Música original), Adolfo López Sojo (Productor Asociado), José R. Nóvoa (Director) y Fernando Butazzonilos (escritor), agregaron algunas ideas de sus experiencias y respondieron a las preguntas realizadas por los medios televisivos, digitales y radiales.
Entre las ideas más destacadas pueden resumirse:
1.- Es un buen momento para las coproducciones… Hay que agradecer a la embajada de España y Argentina su colaboración. Debemos agradecer, también, a Andrea Gouverneur, del CNAC… Con la coproducción nosotros hacemos un esfuerzo para que se vean más las películas… Ibermedia nos permitió hacer esta película y Panavisión se asoció con nosotros para hacer una película con los mejores equipos… se filmó en 35 mm y se llevó a super 35 mm…” (José R. Nóvoa).
2.- El 26 de noviembre se estrenará en Argentina, en febrero en España y el 30 de octubre aquí en Venezuela.
3.- Un lugar lejano está seleccionada para participar en el Festival de Santa Bárbara, California (Santa Barbara International Film Festival)
4.- Se realizó un libro de fotografías de la película titulado “Un lugar lejano”. Saldrá publicado por Editorial Planeta y se presentará el domingo 25 en la librería El Buscón.
5.- “Fue mágico trabajar en esta película, fue lindo filmar con ustedes en la Patagonia…” (Marcela Kloosterboer)
6.- “Fue un máster en actuación para mí…” (Mirela Mendoza)
7.- “Siempre quise trabajar con Novoa y Schneider… y a pesar que mi participación es corta es importante para mí, por allí se empieza…”
8.- “En realidad fueron tres películas… el rodaje duró ocho semanas con huecos en el medio que son los viajes de trabajo… En Venezuela se rodó en Caracas, en España se escogió Galicia y en Argentina la Patagonia, pero no la turística sino la profunda… Mis trabajos anteriores estaban ligados a lo social y está película también, de alguna forma… las películas responden a necesidades del creador… Elia dice que también hay algo de mi origen, eso de viajero…” (José R. Nóvoa)
9.- “Un obstáculo fue el clima en la Patagonia, teníamos que subir los equipos y había mucho frío… subíamos los animales y fue difícil… El tren para mí fue una poesía…” (Elia Schneider)
10.- “Osvaldo, el encargado de la música, es un hombre conocido en Iberoamérica y Fernando, el escritor, fue finalista del Premio Rómulo Gallegos de Novelas y ganador de muchos premios… son dos cuarto bates…” (José R. Novoa)
11.- “Les invito a ver la película en la premier esta noche en Millennium… fue una experiencia muy grata… disfruté y viví el personaje…” (Erich Wildpret)

Día Naranja: entre lo femenino y lo feminista

Con un atardecer naranja empieza y termina “Día Naranja”, una propuesta en la que el texto nos da visos de miradas feministas y femeninas. Dos cosas distintas.
Feminismo según el diccionario de la Real Academia Española es un “Movimiento que exige para las mujeres iguales derechos que para los hombres” [1], definición que comete el error de proponer, de manera implícita, la elevación de la mujer al varón como modelo.
Una de las definiciones mejor contextualizada, históricamente, es la que aparece en el periódico feminista Mujeres en Red[2], donde se define como “un movimiento social y político que se inicia formalmente a finales del siglo XVIII -aunque sin adoptar todavía esta denominación- y que supone la toma de conciencia de las mujeres como grupo o colectivo humano, de la opresión, dominación, y explotación de que han sido y son objeto por parte del colectivo de varones en el seno del patriarcado bajo sus distintas fases históricas de modelo de producción, lo cual las mueve a la acción para la liberación de su sexo con todas las transforma ciones de la sociedad que aquella requiera”.
Habría que hacer la aclaratoria que ser feminista o propiciar el feminismo es diferente al hecho de asumir algún rasgo feminista o simplemente realizar miradas femeninas. Ante una película como “Día Naranja” uno se remite al texto [3], evitando hacer elucubraciones o -peor aún- tratando de ver lo que sí tiene el filme, exclusivamente, a partir de la mirada a otros largometrajes tomados como modelos o "ejemplos de buenas películas".
“Día Naranja” es una película con una mirada predominantemente femenina. No por casualidad la dirección es responsabilidad de una mujer: Alejandra Szeplaki. Habría que añadir, además, que existen algunos rasgos feministas sin que ello sea el centro del largometraje.

El derroche de femineidad desborda en los pensamientos de tres mujeres, sus actitudes y la moda. Moda que tiene un peso significativo: Patricia, la protagonista venezolana interpretada por Carolina Riveros, fue vestida por Adriana Rodríguez de la firma Bará Duo. En el caso de Sol, la protagonista colombiana, se contactó la firma TUL. Para los cambios de ropa interior del personaje de Martina (Sol) se utilizaron piezas de una diseñadora de modas argentina llamada María Jesús Fernández. Cada una de ellas es digna modelo de sus atavíos, una muestra de esa inmensa mayoría de mujeres que pueden verse en las calles de Caracas, Bogotá y Buenos Aires. Justamente, la arquitectura de estas tres ciudades sirve de escenario para la moda.

Los pensamientos expuestos en pantalla, con el recurso de animación, collage y efectos digitales, presentan las alegrías y temores de las mujeres frente a la condición de embarazo, el mundo laboral y la relación de pareja. En uno de los personajes, en particular, se aproxima la posibilidad de no tener al bebé, siempre manejada como el temor a ser madre (mirada femenina) y no a modo de reclamo para acceder al aborto legal y seguro o una demanda de derechos humanos, de justicia social y de salud pública[4] (postura feminista). La idea de laborar o no rechazar una beca de estudios, aún en condición de embarazo, es un hecho originado por el feminismo que abrió los estudios de géneros. En Latinoamérica, legalmente, mayores son las posibilidades para las mujeres en estado.
Lo que proporciona el texto de “Día Naranja” es precisamente una de las consecuencias del movimiento feminista: la naturalidad con que se asume una trabajadora embarazada. No es el centro, de Szeplaki, una situación de reclamo, de reivindicación de derechos. De hecho, no presenta a mujeres en esta tónica sino féminas, en toda su esencia, con sus alegrías, tristezas, miedos y deseos sexuales. La mayor explosión de hormonas está representada por Lorena, la amiga de Ana. Es ella quien afirma que a su edad cualquier hombre le es útil. Se imagina como una diva y piensa en la lluvia de hombres. Pero Lorena no es un arquetipo sino el personaje que condensa los pensamientos de una mujer profesional y soltera de 35 años.

Un momento feminista aparece en uno de los diálogos entre Ana y su padre. Cuando éste le manifiesta que necesita un hombre para que se mantenga al frente de la empresa de diseños que ellos manejan. Una muestra del patriarcado[5] que enciende la llama del feminismo y hace que la mujer decida irse del negocio de su padre.
En Día Naranja la femineidad es algo natural, algo que no se pone a prueba. Una visión cónsona con la de Carosio[6]. Juega un papel determinante el espacio homosocial[7]. Ese ambiente de compañerismo, amistad o simplemente camaradería. Se marca algunas diferencias entre las más jóvenes y las más adultas. La madre de Ana, por ejemplo, deja ver en sus diálogos un apego por costumbres tradicionales como el matrimonio y la procreación de hijos después del mismo, esto en claro contraste con lo que piensan sus dos hijas y la posición asumida por la venezolana Patricia (quien aparentemente desecha la idea de convivir con DJ Tropicaliente) y la colombiana Sol (quien no se decide por Leo ni Carlos). En las tres historias es característico que el comportamiento masculino sea un factor que condiciona la toma de decisiones de la mujer.
Si a “Día Naranja” la catalogan de “débil guión porque faltó desarrollo” y “no genera la suficiente tensión”, probablemente, estén leyéndola desde un esquema donde predomina el exceso de detalles para poder catalogarse como “una historia bien contada”. La disminución de la tensión dramática lograda a través de la animación, collage y efectos digitales es un acierto en el filme. Si bien, la animación y los efectos digitales podrían considerarse como un poco excedidos, en definitiva, quien decide si ve y recomienda la película es el público y no el ejercicio de la crítica.

Notas
[1] Diccionario online de la Real Academia Española. Disponible en: http://www.rae.es/rae.html
[2] Mujeres en Red. Periódico feminista. Coordinado por Montserrat Boix con la colaboración de Lola Pérez Carracedo. Disponible en: http://www.mujeresenred.net/

(3)En el sentido planteado por Rossi María (2007) en su libro "El cine como texto. Hacia una hermenéutica de la imagen- movimiento", es decir un texto dinámico con diferentes niveles de significados y presto a distintas interpretaciones y no en el sentido del esquema clásico del cine donde el sentido proviene únicamente de la coherencia interna (intentio operis).
[4] Planteamiento sobre el aborto legal expuesto en la Declaración Pública de Redes, Articulaciones, Campañas y Organizaciones de Mujeres de la región. Documento en línea del Centro de Estudios de la Mujer. Universidad Central de Venezuela, Vicerrectorado Académico. Disponible en: http://web.ucv.ve/secciones.php?pag=documentos/documentos.htm
[5] La manifestación y la institucionalización del dominio masculino sobre las mujeres y los niños, y la ampliación de este dominio a la sociedad en general.
[6] Alba Carosio en su trabajo titulado: La primera obligación para un hombre es no ser mujer (noviembre, 2008) expone que la femineidad no se pone a prueba como la masculinidad que si se prueba en tres momentos importantes de la vida: el demostrar que no es mujer, que no es niño y que no es homosexual.
[7] Lazos de relaciones entre personas del mismo sexo dentro de una cultura y en un momento histórico concreto.

Por: Claritza Peña/José Alirio Peña

Se estrenó "América tiene alma" en PDVSA Centro de Arte La Estancia

El 15 de octubre de 2009 después de una larga espera, respecto a la hora pautada (7:00 pm), se proyectó "América tiene alma" del cineasta Carlos Azpúrua.

"Esta notable película que expresa la coherencia y continuidad de la obra cinematográfica de Carlos Azpúrua se integra a un proceso de madurez que tiene su origen en Yo Hablo a Caracas se prolonga en el gran fresco de Amazonas El Negocio de este Mundo y culmina en esta reflexión sobre el proceso boliviano.La película tiene como tema central una fiesta, la máxima expresión de alegría, diversidad y reconciliación colectiva en Bolivia, El Carnaval de Oruro. Amigos y enemigos danzan en un corro de vida y muerte, apenas finalizada la fiesta una confrontación podría recomenzar. En ese interregno festivo todos se encuentran. Celebran vida, muerte y renacimiento con esperanza tal como afirma el presidente indígena Evo Morales. Con esa misma esperanza Latinoamérica observa, con el alma en un hilo, esa danza dramática, al borde de la tragedia y con la mirada puesta en los cambios por venir" (Tomado del Folleto América tiene alma)

Créditos
Director: Carlos Azpúrua
Script: Carlos Azpúrua y Fernando Martínez
Producción Ejecutiva: Adolfo López y Viviana Saavedra
Asistencia de Dirección: Paloma Azpúrua y Fernando Martínez
Cámara y Fotografía: Pablo Barrios y Gustavo Soto
Sonido de Campo: Luis Rojas
Premontaje: Pablo Barrios
Edición de imagen: Jesús Rojas
Montaje de Bandas: Gigio Diaz

"Muy natural" mejor corto estudiantil y "Quédate" mejor corto profesional en el Tercer Festival de Cortometrajes Escinetv 2009

El 9 de octubre de 2009 en la sala José Félix Ribas del Teatro Teresa Carreño, se efectuó la entrega de premios del Tercer Festival de Cortometrajes Escinetv 2009.

A las ocho de la noche Francis Romero ataviada con un vestido "ecológico", elaborado con material reciclable, dio la bienvenida a los presentes. Seguidamente Jackeline Concha (Directora) y María Cristina Capriles (fundadora de Escinetv) expresaron su agradecimiento a todo el quipo de trabjo de Escinetv y al jurado externo quien responsablemente seleccionó los cortos ganadores.

Hubo muchos homenajeados en la noche: Daniel Alvarado, Lourdes Valera, Luis Alberto Lamata, Román Chalbaud, Luis Alberto Rosas y Mirtha Borges. De cada uno se presentó un trabajo audiovisual sobre su trayectoria, pero ninguno fue rigurosamente exhaustivo. En el caso de Lourdes Valera omitieron su participación en Bloques y así lo hizo saber el mismo Alfredo Hueck. En el caso de Chalbaud omitieron gran parte de su filmografía. La más aplaudida de la noche fue la Señora Mirtha Borges que con su característica sencillez expresó: "les deseo una bonita carrera a toditos los que están sentado en este auditorio..."

De los once cortometrajes finalistas sólo se proyectaron fragmentos. Una acertada decisión. Si existe un hilo conductor en la mayoría de ellos es una fuerte carga existencialista, las reflexiones sobre la vida y la muerte.

No queremos hacer apreciación alguna de los cortos, esa tarea le correspondió al jurado quien estuvo conformado por: Román Chalbaud, Luis Alberto Lamata, Gonzalo Cubero, Elba Escobar, Frank Rojas, Antonio Delli, Diego Rísquez, Pedro Laya, Jhonny Febles, Soolveig Hoogstein y Sergio Curiel.

Lo que si es pertinente aclarar es que hay dos cortos que se presentaron como ideas originales y no indicaron si era una versión, adaptación o inspiración. Es el caso de Peintres, un Van Gogh que recorre sus pinturas y termina con el vuelo de unos cuervos. Muy similar a uno de los cortos de Dreams de Akira Kurosawa. Y el caso de Insomnio, cuya idea original fue tomada del cuento corto del mismo nombre de Virgilio Piñero.

Los ganadores de la noche:

Mejor corto estudiantil, mejor guión y mejor actriz: Muy Natural

Mejor corto profesional, mejor edición, mejor actor y premio del público: Quédate

Mejor Dirección y Sonido: El siguiente paso

Mejor Fotografía y Mejor Dirección de Arte: Despierto en tus sueños

Un día naranja con los medios

Alejandra Szeplaki y parte del equipo Con Marisa Román
Juan Pablo Raba y Alejandra Szeplaki
Con Carolina Riveros
Con Alejandra Szeplaki
Juan Pablo Raba y Mixzaida Peña
Marisa Román durante la Rueda de Prensa
Afiche Cines Millennium
Detalle: Campanita
Detalle

El 7 de octubre a las 10:00 am se efectuó el estreno a la prensa y posterior rueda de prensa del largometraje Día Naranja.
Con la asistencia de Juan Pablo Raba, Marisa Román, Carolina Riveros, el productor y la directora de la película, los diferentes medios tuvieron la oportunidad de realizar sus preguntas.
Entre los aspectos mencionados por la directiora Alejandra Szeplaki destacan:
“Hay una máxima de cine que dice que le cine es acción más que pensamiento, pero nosotros quisimos incluir algo del pensamiento y recurrimos a los elementos que ustedes vieron en pantalla…”
“Es una película que muestra mucho el pensamiento femenino”
“Día Naranja fue financiada por el CNAC y el INCAA…”
“Es un intento de producción para integrarnos los latinoamericanos, por eso ven talento venezolano, colombiano y argentino…”
“Esta película son tres películas en una, son tres rodajes”
“Los montadores Sergio Marcano y Alberto Ponce fueron un gran apoyo para contar la historia…”
“Esta película tiene mucho de moda, de diseñadores emergentes de Venezuela, Colombia y Argentina”
“Día Naranja se llama así porque empieza y finaliza con un atardecer naranja”
“El blog fue una experiencia bonita del cómo se hace una película… gracias a los seguidores, muchos de hace tres años…”
“A mí me gusta mucho trabajar escuchando música… A Andrea le mandé un correo y ella me cedió los derechos de su canción para la película… Mi vida brilla es un sueño tenerlo en la película…”
“Día Naranja es una película de la moda, música, fotografía, animación, diseños digitales… eso es la película…”

"Patricia, la protagonista venezolana interpretada por Carolina Riveros, fue vestida por Adriana Rodríguez de la firma Bará Duo... En el caso de Sol, la protagonista colombiana, se contacto la firma TUL, colombiana... para los cambios de ropa interior del personaje de Martina se utilizaron piezas de una diseñadora de modas argentina llamada María Jesús Fernández..."
“En Caracas el color que quisimos mostrar fue el rosa… yo amo a Caracas y quise mostrar lo moderna que es con todo su arte cinético… Bogotá quise mostrarla con tonos más azules… es la ciudad folclórica… Buenos Aires es la ciudad más europea…”
“Día Naranja la hicimos con pasión, para que la gente la disfrute, es un placer visual, refrescante, diferente, conecta con la buena vibra y el amor…”

Sinopsis:
Tres mujeres latinoamericanas se enfrentarán, bajo tres posturas distintas, a la posibilidad de convertirse en madres: Patricia (Caracas) deseará con ansias estar embarazada, Ana (Buenos Aires) esperará no estarlo, mientras que Sol (Bogotá) se paseará por la indecisión. Entretanto, sus parejas también mostrarán puntos de vista disímiles en torno a la maternidad.
Estas chicas no se conocen, pero un hilo invisible unirá sus vidas. Así, pese a la distancia, sus historias se irán encontrando en el transcurso de ese Día Naranja. Cada una en su ciudad, inmersa en su cultura y entorno personal, transitará las calles recorriendo fantasías, miedos, deseos y alegrías en busca de una salida ante el nuevo destino que se les presenta.
La ópera prima de Alejandra Szeplaki es una mezcla de situaciones dramáticas y divertidas presentadas con una imagen impecable marcada por la moda, la música y un estilo muy femenino y sofisticado.

Sobre los personajes principales

Ana vive en Buenos Aires. Tiene 35 años; es moderna, independiente, decidida y muestra una gran preocupación por mantenerse en forma. Su excesivo nivel de exigencia incluye también a los hombres.
Ana dedica su vida a un gran taller de confección de vestidos de novias. La obsesión por su trabajo y su persona no le han dejado espacio de reflexión sobre lo quiere para su porvenir. Entretanto, sigue siendo la eterna soltera que viste cada día a muchas novias.
El retraso en su período la toma por sorpresa. Ana teme estar embarazada. Aunque sabe que su reloj biológico ya está en cuenta regresiva, no está segura de querer ser madre y menos si no cuenta con una pareja estable. Sin embargo, el azar la llevará a enfrentarse a sus seres más queridos y replantearse lo que verdaderamente busca en la vida.
En la ciudad de Bogotá, vive Sol. Se gana la vida haciendo fotografías de eventos y encargos de poca trascendencia. Es artista plástico y daría cualquier cosa por adquirir renombre. El día de su cumpleaños número 28 también se cumplen quince días de retraso dentro en su ciclo menstrual.
Aunque su novio Carlos está entusiasmado frente a la idea de tener un hijo, Sol no está segura de querer ser madre y, además, duda de que él sea la pareja ideal. Ese mismo día reaparecerá Leo, su gran amor, dispuesto a sacudir su mundo y proponerle una nueva vida.
A Sol le llegará el día de las grandes decisiones y deberá elegir entre caminos distintos.
La ciudad de Caracas es el marco de la historia de Patricia. Tiene 20 años y desde hace dos dejó la casa de sus padres en Mérida para irse a estudiar a la capital. Aun cuando Patricia lucha por su independencia, ella sigue siendo una niña. Mantiene intacto su mundo infantil, ama a Barbie y todo lo que la rodea está lleno de inocencia.
Está enamorada de su novio Víctor, un reconocido Dj con quien apenas tiene tres meses de noviazgo. Tras darse cuenta de un retraso de quince días en su ciclo menstrual, a esta joven sólo le faltará comprobar si podrá cumplir su anhelo de ser madre y formar una familia ideal, su sueño de la infancia.
El día que tanto esperaba se vuelve vertiginoso e inmanejable, pues por primera vez confrontará las complicaciones de la adultez.

El preestreno será el 8 de octubre en la Plaza de Los Museos y el estreno al público será el 16 de octubre